Albrecht Durer nació en una gran familia de joyero, tenía diecisiete hermanos y hermanas. En el siglo XV, la profesión de joyero se consideraba muy respetuosa, por lo que el padre trató de enseñar a sus hijos el oficio en el que estaba trabajando. Pero el talento de Albrecht para el arte se manifestó a una edad temprana, y su padre no lo desanimó, por el contrario, a la edad de 15 años envió a su hijo al famoso maestro de Nuremberg, Michael Wolgemuth. Después de 4 años de entrenamiento en el maestro, Durer fue a viajar y al mismo tiempo escribió su primer cuadro independiente "Retrato del padre".Durante el viaje, perfeccionó sus habilidades de diferentes maestros en diferentes ciudades. Considere las pinturas más famosas de Albrecht Durer , reconocidas por la comunidad mundial.
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Autorretrato con acebo
Autorretrato con acebo. Esta pintura de Dürer ha causado mucha condena, tanto entre los contemporáneos del artista, como con los críticos de arte contemporáneos. Se trata de la postura en la que el autor se pintó a sí mismo y el mensaje oculto transmitido a través de los detalles. En el momento en que el artista estuvo de frente o cerca de esto, solo fue posible dibujar a los santos. La persona acerada en la mano del artista envía un mensaje a la corona de espinas, que fue puesta sobre la cabeza de Cristo en la crucifixión. La inscripción en la parte superior del lienzo dice "Mis obras están determinadas desde arriba", esto es una referencia a la devoción del autor por Dios, y de todos sus logros, en esta etapa de la vida con la bendición del Señor. Esta imagen, almacenada en el Louvre, se estima que ha realizado ciertos cambios en la cosmovisión humana.
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Autorretrato de Durer en la adultez
Autorretrato de Durero en la adultez. Con la edad, Durer fue aún más lejos al reflejar sus experiencias en el lienzo. Por esta imprudencia, los contemporáneos criticaron severamente al artista. En este lienzo pintó su autorretrato en plena cara. Considerando que incluso más contemporáneos reconocidos no podrían permitirse tal insolencia. En el retrato, el autor mira estrictamente frente a él y sostiene su mano en el medio del cofre, que es típico de las reflexiones de Cristo. Los malos simpatizantes encontraron en la pintura de Durero todas las similitudes y le reprocharon al compararlo con Cristo. Teniendo en cuenta la imagen, alguien puede estar de acuerdo con los críticos, y alguien a quien ver, algo más. No hay objetos que atraigan la atención hacia la imagen, lo que hace que el contemplador se concentre en la imagen de una persona. Aquellos que vieron la imagen, consideran el rango de sentimientos en la cara y la imagen de la persona representada.
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Retrato de una mujer veneciana
Retrato de una mujer veneciana. El retrato, pintado en 1505, es considerado un trabajo dirigido por Durero veneciano. Fue durante este período que se quedó por segunda vez en Venecia y perfeccionó la habilidad de Giovanni Bellini, con quien eventualmente se hizo amigo. Quien es retratado en el retrato no es conocido por algunos sugieren que esto es una cortesana veneciana. Dado que no hay información sobre el matrimonio del artista, existen otras versiones sobre la persona de la persona que no posó.La pintura está guardada por el Museo de Arte e Historia de Viena.
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Martirio de diez mil cristianos
Martirio de diez mil cristianos. La pintura fue encargada por el patrón de Durer para la Iglesia de Todos los Santos en Wittenberg. Debido a la presencia en la iglesia de las reliquias de algunos de los mártires de estos diez mil. La historia religiosa, familiar para muchos creyentes, sobre los golpes a los soldados cristianos en el Monte Ararat se refleja en todos los detalles. En el centro de la composición, el autor se pintó con una bandera en la que escribió el momento de la escritura y el autor de la imagen. Junto a él está un amigo del dibujo de Durero, el humanista Conrad Celtis, que murió sin esperar el final de la película.
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Fiesta del Rosario
Fiesta de las cuentas. La pintura más reconocible de Durero fue escrita para la Iglesia de San Bartolomé en Italia. El artista escribió esta imagen por varios años. La imagen está saturada de colores brillantes, ya que esta tendencia se hizo popular en ese momento. La imagen se nombra debido a la trama reflejada en ella, los monjes dominicos que usaron rosarios en sus oraciones. En el centro de la imagen está la Virgen María con el niño Cristo en sus brazos. En el ambiente, rezando, entre los cuales el Papa Julián el Segundo y el Emperador Maximiliano el primero. Bebé - Jesús reparte coronas de rosas a todos. Los monjes dominicanos usaban rosarios estrictamente blancos y rojos. El blanco simboliza la alegría de la Virgen, la sangre roja de Cristo en la crucifixión.
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Manos de la Oración
Manos de la Oración. Otra pintura muy famosa de Durer fue copiada muchas veces, impresa en postales, sellos e incluso monedas. La historia de la imagen es sorprendente en su simbolismo. En el lienzo se representa, no solo la mano de una persona devota, sino del hermano de Durero. Incluso cuando era niño, los hermanos acordaron pintar a su vez, ya que la fama y la riqueza de este oficio no se produce de una vez y no todos, uno de los hermanos tuvo que garantizar la existencia de otro. El primero para pintar tomó Albrecht, y cuando le tocó el turno a su hermano, sus manos ya no tenían la costumbre de pintar, no podía escribir. Pero el hermano de Albrecht era un hombre piadoso y humilde, a él no le importaba su hermano. Estas manos también se reflejan en la imagen.
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Retrato de Maximilian I
Retrato de Maximilian I. Durer presentó a su patrón varias veces en diferentes cuadros, pero el primer retrato de Maximilian se convirtió en una de las pinturas de fama mundial. El emperador describió, como confiaban los monarcas, ricas ropas, mirada arrogante y desde la imagen tan arrogante. Como en otras pinturas del artista hay una especie de símbolo. El emperador sostiene una granada en su mano, un símbolo de abundancia e inmortalidad. Una pista de que es él quien proporciona prosperidad y fertilidad a las personas. Visto en una pieza limpia de grano de granate símbolo de la personalidad multifacética del emperador. Caballero, la Muerte y el Diablo
Caballero, la Muerte y el Diablo. Este grabado de Durer simboliza el camino del hombre en la vida. Un caballero con armadura es un hombre protegido por su fe de las tentaciones. Ir junto a la muerte se representa con un reloj de arena en la mano, que indica el total al final del tiempo asignado. El diablo camina detrás del caballero, representado en la forma de una criatura miserable, pero listo a la menor oportunidad de atacarlo. Todo se reduce a la lucha eterna entre el bien y el mal, la fuerza del espíritu ante las tentaciones.
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Cuatro jinetes del Apocalipsis
Cuatro jinetes del Apocalipsis. El grabado más famoso de Durero de sus 15 obras sobre el tema del apocalipsis bíblico. Los cuatro jinetes son el ganador, la guerra, el hambre y la muerte. Siguiéndolos, demonios, en el grabado se representa en forma de una bestia con la boca abierta. Como en la leyenda, los jinetes se apresuran, barriendo a todos en su camino, tanto los pobres como los ricos, y los reyes y la gente común. Una referencia al hecho de que todos obtienen lo que merecen, y todos responderán por sus pecados.
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Adoración de los Magos
Adoración de los Magos. La pintura fue escrita durante el período del regreso de Durero de Italia. En la imagen, la atención alemana a los detalles y colores se entrelazan, el brillo de los colores peculiar del renacimiento italiano. La atención a las líneas, sutilezas mecánicas y trivialidades hace referencia a los bocetos de Leonardo da Vinci. En este mundo conocido en el mundo, la escena, descrita en detalle en las leyendas bíblicas, pintada en lienzo, deja la impresión de que esto es exactamente lo que sucedió.
