Albrecht Dürer wurde in einer großen Familie eines Juweliers geboren, er hatte siebzehn Brüder und Schwestern. Im 15. Jahrhundert wurde der Beruf eines Juweliers als sehr respektvoll angesehen, und so versuchte der Vater seinen Kindern das Handwerk beizubringen, an dem er arbeitete. Aber Albrechts Talent für Kunst manifestierte sich früh, und sein Vater entmutigte ihn nicht, im Gegenteil, im Alter von 15 Jahren schickte er seinen Sohn zu dem berühmten Nürnberger Meister Michael Wolgemuth. Nach 4 Jahren Meisterausbildung reiste Dürer auf Reisen und schrieb gleichzeitig sein erstes eigenständiges Bild "Porträt des Vaters".Während der Reise hat er seine Fähigkeiten von verschiedenen Meistern in verschiedenen Städten verfeinert. Betrachten Sie die berühmtesten Gemälde von Albrecht Durer , von der Weltgemeinschaft anerkannt.
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Selbstbildnis mit Stechpalme
Selbstbildnis mit Stechpalme. Dieses Gemälde von Dürer hat sowohl bei den Zeitgenossen des Künstlers als auch bei den zeitgenössischen Kunstkritikern viel Verdammnis hervorgerufen. Es geht um die Haltung, in der sich der Autor malte, und die versteckte Botschaft, die durch die Details übertragen wird. Zur Zeit des Künstlers in Vollbild oder in der Nähe davon, war es möglich, nur die Heiligen zu zeichnen. Die Stechpalme in der Hand des Künstlers sendet eine Botschaft an die Dornenkrone, die bei der Kreuzigung auf den Kopf Christi gelegt wurde. Die Inschrift im oberen Teil der Leinwand sagt: "Meine Werke sind von oben bestimmt", dies ist ein Hinweis auf die Hingabe des Autors an Gott, und dass alle seine Errungenschaften, in diesem Stadium des Lebens mit dem Segen des Herrn. Es wird geschätzt, dass dieses Bild, das im Louvre aufbewahrt wird, bestimmte Veränderungen in der menschlichen Weltanschauung bewirkt hat.
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Selbstporträt von Dürer im Erwachsenenalter
Selbstbildnis von Dürer im Erwachsenenalter. Mit dem Alter ging Dürer noch weiter und reflektierte seine Erfahrungen auf Leinwand. Für diese Unverschämtheit haben Zeitgenossen den Künstler scharf kritisiert. Auf dieser Leinwand malte er sein Selbstporträt mit Vollgesicht. Während noch mehr anerkannte Zeitgenossen sich solche Unverschämtheit nicht leisten konnten. Im Porträt sieht der Autor streng vor ihm aus und hält seine Hand in der Mitte der Truhe, was typisch für die Spiegelungen Christi ist. Kranke fanden in Dürers Malerei alle Ähnlichkeiten und machten ihm Vorwürfe, sich mit Christus zu vergleichen. In Anbetracht des Bildes kann jemand mit den Kritikern übereinstimmen, und jemand, etwas mehr zu sehen. Es gibt keine Objekte, die Aufmerksamkeit auf das Bild lenken, wodurch der Betrachter sich auf das Bild einer Person konzentrieren kann. Diejenigen, die das Bild gesehen haben, betrachten die Bandbreite der Gefühle im Gesicht und im Bild der abgebildeten Person.
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Porträt einer venezianischen Frau
Porträt einer venezianischen Frau. Das 1505 entstandene Porträt gilt als venezianisches Werk Dürers. Es war während dieser Periode, dass er zum zweiten Mal in Venedig blieb und die Fähigkeit von Giovanni Bellini, mit dem er schließlich Freunde wurde, schärfte. Wer in dem Porträt porträtiert wird, ist einigen nicht bekannt, dass dies eine venezianische Kurtisane ist. Da es keine Information über die Ehe des Künstlers, andere Versionen über die Person der Person gibt, die nicht aufgestellt hat. Das Gemälde wird vom Museum für Kunst und Geschichte Wien aufbewahrt.
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Martyrium von zehntausend Christen
Martyrium von zehntausend Christen. Das Gemälde wurde von dem Patron von Dürer für die Allerheiligenkirche in Wittenberg in Auftrag gegeben. Wegen der Anwesenheit von Reliquien einiger der Märtyrer dieser Zehntausend in der Kirche. Die vielen Gläubigen vertraute Religionsgeschichte über das Schlagen christlicher Soldaten auf dem Berg Ararat spiegelt sich in allen Einzelheiten wider. In der Mitte der Komposition malte der Autor sich mit einer Fahne, auf die er die Zeit des Schreibens und den Autor des Bildes schrieb. Neben ihm ist ein Freund von Dürers Zeichnung, der Humanist Conrad Celtis, der gestorben ist, ohne auf das Ende des Bildes zu warten.
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Fest des Rosenkranzes
Fest der Perlen. Das bekannteste Gemälde von Dürer wurde für die Kirche San Bartolomé in Italien geschrieben. Der Künstler hat dieses Bild für mehrere Jahre geschrieben. Das Bild ist mit leuchtenden Farben gesättigt, als dieser Trend zu dieser Zeit populär wurde. Das Bild ist wegen der Handlung, die darin reflektiert wird, die dominikanischen Mönche, die Rosenkränze in ihren Gebeten verwendet benannt. In der Mitte des Bildes ist die Jungfrau Maria mit dem Jesuskind in ihren Armen. In der Umgebung beten, unter denen Papst Julian der Zweite und Kaiser Maximilian der Erste. Baby - Jesus gibt allen Rosenkränze. Dominikanische Mönche verwendeten Rosenkränze streng weiß und rot. Weiß symbolisiert die Freude der Jungfrau, das rote Blut Christi bei der Kreuzigung.
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Hände des Gebets
Hände des Gebets. Ein weiteres sehr berühmtes Gemälde von Dürer wurde mehrfach kopiert, auf Postkarten, Briefmarken und sogar Münzen gedruckt. Die Geschichte des Bildes fällt in seiner Symbolik auf. Auf der Leinwand ist nicht nur die Hand einer frommen Person, sondern von Dürers Bruder abgebildet. Schon als Kind waren die Brüder einverstanden, abwechselnd zu malen, da Ruhm und Reichtum aus diesem Handwerk nicht sofort und nicht alle kommen, einer der Brüder musste die Existenz eines anderen sicherstellen. Der erste für die Malerei nahm Albrecht, und als sein Bruder an der Reihe war, waren seine Hände schon nicht mehr in der Lage zu malen, er konnte nicht schreiben. Aber Albrechts Bruder war ein frommer und demütiger Mann, er störte seinen Bruder nicht. Diese Hände spiegeln sich auch im Bild wider.
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Porträt von Maximilian I.
Porträt von Maximilian I. Dürer stellte seinen Gönner mehrmals in verschiedenen Gemälden vor, doch Maximilians erstes Porträt wurde zu einem der weltberühmten Gemälde. Der Kaiser zeigte, wie die Monarchen stützten, reiche Kleider, arroganten Blick und von dem Bild so arrogant. Wie in anderen Gemälden des Künstlers gibt es eine Art Symbol. Der Kaiser hält eine Handgranate in der Hand, ein Symbol des Überflusses und der Unsterblichkeit. Ein Hinweis darauf, dass er es ist, der den Menschen Wohlstand und Fruchtbarkeit gibt. Gesehen auf einem gereinigten Granatkornsymbol der facettenreichen Persönlichkeit des Kaisers. Ritter, Tod und der Teufel
Ritter, Tod und der Teufel. Dieser Stich von Dürer symbolisiert den Weg des Menschen im Leben. Ein Ritter in Rüstung ist ein Mann, der durch seinen Glauben vor Versuchungen geschützt ist. Dem Tod zu folgen, wird mit einer Sanduhr in der Hand dargestellt, die die Summe am Ende der zugeteilten Zeit anzeigt. Der Teufel geht hinter dem Ritter, dargestellt in Form eines elenden Geschöpfes, aber bei der geringsten Gelegenheit bereit, ihn anzugreifen. Alles kommt auf den ewigen Kampf zwischen Gut und Böse, die Kraft des Geistes vor Versuchungen.
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Vier Reiter der Apokalypse
Vier Reiter der Apokalypse. Der berühmteste Kupferstich von Dürer aus seinen 15 Werken zum Thema der biblischen Apokalypse. Die vier Reiter sind Sieger, Krieg, Hunger und Tod. Ihnen folgt die Hölle, auf der Gravur ist in Form eines Tieres mit einem offenen Mund dargestellt. Wie in der Legende, rauschen die Reiter, die alle auf ihrem Weg fegen, sowohl die Armen als auch die Reichen, die Könige und die einfachen Leute. Ein Hinweis darauf, dass jeder bekommt, was er verdient, und alle werden für ihre Sünden antworten.
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Anbetung der Könige
Anbetung der Könige. Das Gemälde entstand während Dürers Rückkehr aus Italien. Auf dem Bild ist die deutsche Aufmerksamkeit für Details und Farben miteinander verbunden, die Helligkeit der Farben ist typisch für die italienische Renaissance. Die Aufmerksamkeit auf Linien, mechanische Feinheiten und Trivialitäten verweist auf die Skizzen von Leonardo da Vinci. In dieser Welt, die der Welt bekannt ist, lässt die in den biblischen Legenden beschriebene Szene, die in Leinwand gemalt wurde, den Eindruck entstehen, dass es genau so war, wie es geschah.